La historia de Mariela Muñoz salió a la luz en Diciembre de 1993 cuando el Juez de Menores de Quilmes, Pedro Entío, decidió anular las partidas de nacimiento de los dos mellizos y la nena que ella criaba desde su nacimiento y que había anotado como propios. Lo que siguió fueron meses en prisión, y una larga recorrida por los medios y juzgados con el único objetivo de lograr un régimen de visitas que le permitiera ver a quienes ella aun hoy considera sus hijos.
En 1997 Muñoz consiguió, en un caso sin precedentes, la identidad femenina luego de que las pericias psicológicas demostraran que su sexo psicológico era femenino desde la infancia y anterior a la intervención quirúrgica que se realizara en Chile en 1981.
El logro no fue sólo a nivel personal, sino que posibilitó un debate más serio y profundo sobre derechos de los homosexuales, travestis y transexuales de forma seria, con el apoyo y reconocimiento de estos por parte de los comunicadores y la opinión pública. Su historia fue incluso llevada al teatro en Suiza –llamada ¿Qué pasó con Daniela Duñoz?- dirigida por el realizador argentino Marcelo Díaz.
De Los Noventas te invita a recordar su historia, contada por la protagonista.
Esta semana no te pierdas la cobertura especial de la vuelta de Vilma Palma e Vampiros. El retorno de un clásico de nuestra década, en el Blog más Noventos de todos! Y para ir poniéndonos a tono, les dejamos uno de los mayores éxitos de la banda: Auto Rojo.
Dos ratones. Dos ratones albinos. Dos ratones albinos genéticamente modificados. Dos ratones albinos genéticamente modificados que intentan conquistar al mundo.
No hace falta decir más para que cualquier noventoso de ley sepa que estamos hablando de Pinky y Cerebro.
Todos los sábados me levantaba a media mañana, me hacía la leche y con la tele fija en Cartoon Network, quedaba hipnotizada durante casi media hora con los planes estrambóticos que Cerebro elucubraba y que Pinky seguía sin entender demasiado porqué. Recuerdo que mi mamá también los miraba con interés y ahora puedo entender porqué.
Lejos de ser sólo un dibujito para chicos, Pinky y Cerebro mezclaba el humor efectista de la comedia de enredos en las que todo sale (siempre) mal, con diálogos sólidos, repletos de sarcasmo e ironías, con participaciones especiales y reminicencias a películas. Esos guiños que sólo un público con años de carrera agarra al vuelo.
La serie producida por Steven Spielberg junto a Warner Animation, se independizó de la histriónica Animaniacsen 1995 y conquistó al mundo con estos dos ratones que desde una jaula situada en los laboratorios ACME trataban de alcanzar justamente ese cometido. La recepción del público fue inmediata y la crítica los acompañó incluso otorgándoles el Emmy a Mejor Serie Animada en 1999.
Cerebro era genio detrás de los planes maquiavélicos , el que con su cola zigzagueante abría la puerta para ir a jugar al mini teg roedor que re -comenzaban todas las noches. Con su tono grave inspirado en la inconfundible voz de Orson Wells emprendía su propia guerra de los mundos antes de cada amanecer.
La pareja despareja se completaba con Pinky, también alterado genéticamente pero con resultados al menos llamativos. Era torpe, un poco tonto y bastante loco, pero siempre se lo veía disfrutando y pasándola bien en los 22 minutos que duraba cada capítulo, aunque Cerebro se encargara de maltratarlo, desmerecerlo y culparlo de todos sus fracasos. "Narf", una de las tantas palabras inexistentes que decía Pinky, quedará siempre en la memoria de todos sus seguidores.
Participaciones memorables
Si bien las 65 emisiones de la serie son excelentes, cabe destacar algunos capítulos que contaron con participaciones especiales. Uno de los mejores es, sin duda, cuando los ratones conocen a Los Beatles, titulado "All you need is Narf", jugando claramente con uno de los más conocidos temas de la banda (All you need is love) y la palabra inventada que Pinky repetía hasta el cansancio.
En este episodio los ratones viajan a la India para recolectar sándalo, que era un ingrediente escencial de otro de sus planes para tratar de conquistar al mundo. En medio del viaje, se dan cuenta de que los hindúes confunden a Pinky con el Mous-arishi (en referencia all Maharishi Mahesh Yogi hindú) y comienzan a idolatrarlo cual vaca sagrada. Atraídos por la figura del ratón, llega a la India un cuarteto de jóvenes llamado Los Feebles, quienes finalmente se hacen amigos de Pinky y éste deja a un lado el plan de conquista para pasar más tiempo con ellos.
En lo que a mi respecta, la joyita de este episodio es la estrategia que lleva adelante Cerebro para sacarse del medio a los Feebles y retomar el plan. Luego de conocer a una seguidora oriental del grupo, se la presenta a uno de sus integrantes, Jim Lemmon, quien se enamora perdidamente de ella. El amor entre Lemmon y Yoyo Nono (¿hace falta explicar algo al respecto?) termina por separar al grupo. Y lo que parecía un triunfo de los ratones en su carrera de dominio mundial, resulta ser otro fracaso cuando las fanáticas de Los Feebles los persiguen enfurecidas culpándolos por la separación.
En otra oportunidad, los ratones viajan a Smallvile y encuentran un mini cohete que acunaba ni más ni menos que al mismísimo Supermanbebé. ¿Cómo no pensar en tratar de conquistar al mundo con la ayuda del super hombre?
Godzilla, el famoso monstruo japonés, es utilizado por Cerebro como un disfraz perfecto para destruir el mundo, sin éxito, claro está.
También podemos encontrar referencias a la figura de Napoleón en el personaje de Cerebro, que se hacen claras como el agua en un capítulo llamado "Napoleón Brainaparte".
En definitiva, y como decía la canción central de la serie: Antes del amanecer desarrollarán su plan y cuando salga el sol, el mundo conquistarán. Son Pinki, son Pinky, son Pinky y Cerebro bro, bro, bro, bro bro....
Pero un día me cansé de esperar Ya no quería seguir volviéndome insano. Se burlaron de mí y ahí nomás les disparé… Si volviera a nacer lo habría intentado otra vez. Attaque 77 - Barreda's Way
"Andá a limpiar, que los trabajos de conchita son los que mejor hacés", dijo Gladys Mc Donald poco antes de morir. Hablaba con su marido, su asesino, o como ella le decía: Conchita.
Ese 15 de noviembre de 1995, tuvo lugar uno de los crímenes que más convulcionó a la sociedad local, el odontólogo Ricardo Barreda asesinó en su casa de la ciudad de La Plata a su mujer (57), sus dos hijas (26 y 24) y a su suegra (86).
Una vez cometido el crimen, Barreda desordenó la casa, desparramó papeles y armó una escena que no lo perjudicara: un robo. Fue hasta el centro de la ciudad y tiró los cartuchos de la escopeta que había usado, una Sarasqueta calibre 16.5, en una boca de tormenta y luego manejó su Ford Falcon hasta Punta Lara, donde se deshizo del arma. Fue entrada la medianoche cuando volvió a su casa, y ahí, entre los cuerpos desparramados, llamó a las ambulancias y a la policía para contarles la historia del supuesto robo.
¿Loco o gran simulador?
Ya trasladado a la seccional 1 de la ciudad de las diagonales, Barreda insistió con la teoría del robo hasta que un párrafo del código penal sobre personas no punibles lo iluminó. El artículo 34 hizo que el odontólogo admitiera su culpabilidad.
En diálogo con De Los 90s, la psicóloga y docente de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Fabiana Sgromo, explica que no son inputables por insuficiencias o alteraciones morbosas de sus facultades, por estado de inconciencia y su incapacidad de comprender la criminalidad de sus actos. "En cuanto a Barreda en sí, sin la pretensión de arribar a un diagnóstico psicológico, en virtud del caso, podríamos pensar en la presencia del un cuadro psicopático", sostiene Sgromo.
Si bien la estrategia de la defensa fue la de declararlo ininputable, el dentista fue condenado en 1995, a cadena perpetua. Luego de 13 años de cárcel, y gracias a su buena conducta y al noventoso 2x1, Barreda consiguió el arresto domiciliario en 2008.
Para otorgarle este beneficio, y dado el antecedente penal de Barreda, la Sala I del Tribunal de Casación Bonaerense, impuso como requisito fundamental un seguimiento psicológico y contención para él y su cónyuge, ya que el informe presentado por el Patronato de Liberados marcaba la existencia de "algunas ambigüedades y reservas".
"El mayor peligro es la cosificación del otro, la pérdida de entidad de un igual como persona y semejante, sumado a la incapacidad de asumir una responsabilidad a través de la sentencia de que son los demás los que los hacen fallar", describe Sgromo al respecto de las características del posible cuadro.
La psicóloga y docente de la UBA Alejandra Ibáñez, adhiere a lo antes expuesto por Sgromo, pero además realiza un interesante análisis de la reacción social, frente al asesinato cometido por Barreda. "Es sumamente llamativa la fascinación que este tipo de personajes crea en el entorno social. He encontrado blogs y artículos donde es considerado un héroe, una víctima indefensa de una familia que lo humillaba, y de la cual, según parece o asumen muchas personas, no podía alejarse por medios socialmente aceptados como el divorcio, alejamiento del hogar, denuncias, etc", sostiene Ibáñez.
En una extraña y extrema defensa del género, los hombres terminan avalando el asesinato de una familia, como una venganza que representa a la fraternidad de hombres oprimidos por sus supuestas mujeres enemigas.
¿Qué nos queda entonces a las mujeres, enarbolar quizás, la bandera de Lorena Bobbit?
Quien sabe, de cualquier modo, le dejamos a todos los noventosos que sientan un poco de empatía con el Señor Barreda, un link para que puedan descargar el disco "Antihumano" de Attaque 77 que incluye el tema Barreda's Way, contando la historia del sanguíneo odontólogo.
el máximo de su esplendor y perfume que nos encantan,
si sacrificamos a los capullos que crecen en su alrededor.
John Davison Rockefeller
“American Beauty” es una especie de rosa que se cultiva artificialmente con el único objetivo de que la flor tenga una apariencia perfecta. El director Sam Mendes llenó su ópera prima de rosas, pero se dedicó a mostrarnos una a una, las espinas de una sociedad americana que no estábamos acostumbrados a ver.
El film se centra en la vida de la familia Burnham y en ver qué pasa cuando las apariencias se caen y del momento Kodak, solo quedó una foto enmarcada en el comedor, el mismo comedor en el que los tres integrantes de la familia no pueden siquiera, sostener una cena juntos.
A partir de que Lester, -el padre de la familia- queda desempleado, se desencadenan una serie de reacomodamientos tanto a nivel familiar como personal en cada uno de los personajes, que se plantean la necesidad de éxito económico, las relaciones humanas, una familia desmembrada y por supuesto, la búsqueda de la felicidad. Cualquiera sea el significado de esta palabra.
Kevin Spacey deslumbra interpretando a este antihéroe desbancado de su condición de líder económico de la familia, y ya habiendo perdido quién sabe hace cuanto, su autoridad como patriarca, intentará, de una vez por todas, ser feliz más allá de los cánones del sueño americano.
La familia se completa con una esposa abocada a mantener las apariencias y su estilo de vida interpretada con solidez por Annette Bening y una hija adolescente conflictuada (no conflictiva porque de hecho, sus padres no tienen ni idea de qué es lo que sucede con ella).
Un abanico de personajes secundarios pero fundamentales, enriquece la trama: un vecino joven y extraño que encuentra la belleza en una bolsa de nylon que vuela mientras su padre colecciona objetos nazis atesorados en el closet y reprime a su hijo. Una madre volátil, sentada en una silla, sin contacto con la realidad, (cuando su hijo le avisa que se irá de su casa le recomienda llevar un paraguas), y una adolescente presuntamente liberal y liberada, amiga de la hija de la familia que desvela los sueños de Spacey, y claro, el amante varonil y exitoso que sacude a Bening.
Con diálogos sólidos y ácidos, Belleza Americana, estrenada en 1999 y ganadora de 5 premios Oscars - incluyendo Mejor Película, Actor protagónico y Director- muestra un análisis profundo y crudo de una sociedad a la que no sólo le cuesta mirarse, sino también mostrarse tal cual es. El sarcasmo y el humor negro que Mendes le imprime al film, acompaña una estética impecable y se completa con un marco musical excepcional.
Sobre el final de una década en la que la imagen , los logros materiales y los arquetipos sociales y familiares se convirtieron en un ingrediente más de la modernidad capitalista, el director se atreve a sacar, una por una las capas de las instituciones que los noventas se encargaron de costruir a fuerza de marketing y ese deseo ardiente de subir en la escala social a fuerza de poseciones materiales y prefabricadas sonrisas Mc Felices.
A partir de la necesidad de Lester de quebrar los cristales de la felicidad posmoderna que su familia había comprado, se genera un dominó de emociones y cataclismos en todo su entorno, velando también la postal familiar de los demás miembros. Desde esa óptica, Mendes bucea en la mentalidad del americano promedio en dos etapas de su vida: la juventud y post adolescencia, y la crisis de los cuarenta.
Al comienzo del film Lester afirma: “En menos de un año estaré muerto. Por supuesto, todavía no lo sé y en cierta manera, ya estoy muerto” y en ese camino, los muros de la familia se van cayendo, las máscaras van cambiando y todos se van encontrando con quienes realmente son ahora, esos que no quieren ver, esos que quieren esconder, esos que siguen sin gustarles.
Porque mirarse en un nuevo espejo no siempre es fácil, porque parecer ser feliz parece más sencillo que intentar serlo. Y porque todas las rosas, por más bellas que sean, siempre, tienen espinas.
Quizás cuando Aki Maita era chica, su mamá le prohibió tener un perro porque tendría que hacerse cargo indefectiblemente de alimentarlo y limpiar la casa. Quizás alguien de su familia era alérgico al pelo felino y nunca le permitieron adoptar un gatito con el que jugar después del colegio. No sabemos por qué ella afirma que en su casa no era posible tener una mascota, pero lo cierto es que en 1996 la japonesa Aki Maita creó la primera mascota virtual que recorrió el mundo creando polémicas, algunos fanáticos y otros tantos niños traumatizados por haber matado a su primer animalito electrónico: el Tamagotchi.
El aparatito comercializado por la empresa Bandai,tenía forma de huevo y en su pequeña pantalla de cristal líquido aparecía el protagonista de la historia: el pichicho virtual. Un pequeñísimo dibujito pixelado al que podías -¿o debías? -alimentar, llevarlo al baño, retarlo y felicitarlo, encender o apagarle la luz o curarlo cuando tu mascota de LCD estaba enferma.
Llegó a nuestro país en 1999, y desató la polémica que suele generar la tecnología cuando de niños se trata: ¿Es saludable que mi hijo tenga un tamagotchi? ¿Los avances tecnológicos lograrán que los niños ya no salgan a la calle y se queden para siempre enclaustrados entre cuatro paredes mirando una pantallita? Mi experiencia personal dice que mi madre, psicóloga, nunca me dejó tener un Tamagotchi porque “para eso ya tenés una perra, dale de comer y bañala a ella”. Claramente, me quedé sin mi chiche electrónico.
La mascota más urbana de todas no sólo se alojó en los bolsillos de guardapolvos de los niños noventosos, sino que además llegó al cine en su país de origen, Japón, con una película llamada “Apareciendo en una película! Tamagotchi, niño perdido en el espacio?”, título particular si los hay, en el que una niña viaja al planeta de los de estos pequeños seres. Pero no contentos con aparecer en el cine, coparon también el mundo de los dibujos animados en 1997.
En la actualidad, aún hay varios modelos de mascotas virtuales que se ofrecen en Mercado Libre, van desde los 6 pesos (los viejos modelos de Tamagotchi Dinkie Dino), hasta los juegos de Nintento Ds que alcanzan los 190 pesos.
En una nueva versión de ciber mascotas, Facebook propone "Pet Society", donde podés adoptar un perrito, gatito, y cuidarlo y mimarlo sin que nadie se queje de sus olores en casa. También podes sorprender a tus amigos noventosos entrando aquí y enviándoles una postal Tamagotchi Pero si todavía tenés una mascotita virtual, o estás pensando en comprarte una porque tu monoambiente no te permite alojar a un perro, te dejamos una página que, cual “Ser Padres Hoy", te ayuda a criar a tu Tamagotchi en un curso acelerado para ciber padres del siglo XXI que añoran los dorados años noventas en los que las mascotas, podían medir menos de un centímetro y llevarse en la cartuchera del colegio.
“¿Voce vende cinta pequeñas?”, preguntó un hombre de traje que entró al local de Corrientes y Medrano en el que yo solía trabajar años atrás. Acompañado de un joven también trajeado, ambos cargaban varias bolsas del supermercado Eki llenas de botellas de aceite Patito. El más joven llevaba además, cientos de botellitas transparentes en un bolso. Le dije que no, que no vendíamos cintas, pero que me dijera qué precisaba. En un portuñol bastante pobre, me explicó que las cintas eran para ponerle un moño a las botellitas que serían cargadas con aceite. Ante mi negativa salieron rápidamente del local, cruzaron Corrientes y entraron en la Iglesia Universal del Reino de Dios. Horas más tarde, darían una misa especial, y venderían a sus fieles el aceite sagrado traído especialmente de Israel. Precio: a voluntad. Lo que usted, estimado fiel, crea que vale la interminable y suave caricia celestial.
La sagrada creación
La Iglesia Universal del Reino de Dios (IURD) nace en 1977 en Brasil, fundada por el autoproclamado Obispo Edir Macedo. Treinta y dos años después, la Iglesia se expandió a más de 40 países, y además de tener hasta un banco, se convirtió en un multimedios que posee periódicos, emisoras de radio y televisión, y varias investigaciones judiciales. La década del noventa, con su pizza y su champagne, resultó ser un marco ideal para la llegada de los carismáticos pastores universales. La IURD desembarcó en Argentina en 1990 e instaló iglesias en el interior del país. Hoy poseen el Gran Templo de la Fe, en Corrientes y Acuña de Figueroa, en el barrio de Almagro, donde antiguamente funcionó el Mercado de las Flores. Según indican desde la Cooperativa de Floricultores, se pagaron ocho millones de dólares por el terreno, con capacidad para congregar a 2.600 fieles. En las Páginas Amarillas podemos encontrar más de 50 de los 110 templos que tiene la Iglesia Universal para visitar en todo el país si usted quiere parar de sufrir. Otra opción es escucharlos por radio (AM 1350 y FM 106.3 que no reconocen oficialmente ya que el COMFER no permite que cultos extranjeros obtengan licencias), o bien, sintonizar América TVal finalizar la programación diaria y disfrutar de sus milagros.
Según explica el licenciado en Comunicación Social, especializado en el estudio de sectas y religiones, Alfredo Silleta, en la actualidad, la Iglesia Universal tiene 6 millones de fieles en el mundo y 1.000 millones de ingreso anual que producen, libres de impuestos, sus 3.000 templos distribuidos en Brasil y en 46 países de todo el mundo. Un negocio que sigue creciendo.
Huir del demonio cuesta caro
La mayoría de los fieles que ingresan a la IURD lo hacen en un estado de desesperación, en busca de una respuesta rápida y sobre todo, divina. Lloran, gritan, revuelven sus bolsillos en busca de más dinero; algunos, decididos, acercan al escenario las llaves de un auto, otros, prefieren volver a sus casas caminando, y dejan las monedas destinadas al pasaje. “La plata va y viene señorita, lo que importa es la salud y la fe. Mi mujer se ha curado en esta iglesia, le debo todo a los pastores”, dice con la voz entrecortada un hombre de 78 años que prefiere no dar su nombre.
La fe en el banquillo de los acusados
Hoy en día la IURD está acusada en Argentina, Italia y Estados Unidos, por lavado de dinero y tráficos de divisas, tal como lo ha publicado el diario Folha de San Pablo. La noticia fue levantada en el país por los matutinos más importantes en donde se especificó que Macedo y su organización son sospechados de integrar una asociación ilícita y de lavar más de 2 mil millones de dólares desde 1995. Según publicó el diario Perfil, “los investigadores aseguran que localizaron depósitos por 3.000 millones de reales (unos 1.631 millones de dólares al cambio del día) en favor de la institución, entre marzo de 2003 y marzo de 2008”.
Mientras tanto, en el Templo de la Fe, un pastor les dice a los fieles que contribuyan con Dios, que se apeguen a sus creencias y no se aferren sólo a los bienes materiales, en una rayuela divina en la que sólo diezmo les permitirá avanzar casilleros y llegar al cielo.
Durante toda la década del 90, la factoría de sueños cinematográficos y televisivos proveniente de Estados Unidos, nos bombardeó con la idea de que la popularidad lo era todo en los conflictivos años de la adolescencia. Ser popular era pertenecer, estar, o simplemente, ser alguien. Los losers (como diría Beck) o perdedores, en cambio, se resignarían al papel secundario del que vive para anhelar ser algo más. En medio de esta lucha diaria por escapar al estigma social de los años de colegio, entre tanto joven lindo y deportista, en medio del rey y la reina de la graduación, allí, donde casi nadie lo ve, se alza Doug Narinas. El loser que todos llevamos dentro.
Creada en 1991 por un dibujante de Nickelodeon, Doug Narinas (nombre con que se emitió en el país), presentaba a un pre-adolescente de 11 años quien vivía en cada episodio una aventura especial acompañado siempre por su fiel perro Chuletas y su mejor amigo Tito Valentino. La serie nació a partir de un libro que nunca se publicó llamado “El nuevo par de zapatos de Doug”. Tras varias modificaciones, Jim Jinkins – autor del libro – puso en escena las historias de este particular protagonista que vivía con sus padres y su perro, y que pasaba los días perdidamente enamorado de su amiga Patty Mayonaisse. Un personaje que, más por resignación que por decisión propia, estaba muy alejado de los chicos ganadores y cool a los que que las series del norte nos tenían acostumbrados. Años después de la aparición de la serie, Disney compró la compáñía de Jinkis que la producía, emitió nuevos capítulos de Doug, y además, presentó la película oficial en el año 2000.
Para quien escribe era casi un ritual, llegar del colegio a las 16.00, prender el televisor y sintonizar el entonces glorioso Nickelodeon para ver qué le pasaba esta vez a ese pibe de mi misma edad, que tanta empatía me generaba. Porque cada tanto, estaba bueno que ganara el perdedor, que le diera una lección a los populares. Porque todos queríamos que “Doug se ganara a Paty, que ella se enamorara de él”, como me confesó hace poco otra de las autoras de De Los Noventas.
Porque si en la era del 2000, mandan las divinas, en los noventas Doug y sólo Doug, podía ponerse los calzoncillos sobre las bermudas, un cinturón en la cabeza y una capa improvisada, y convertirse en El Hombre Codorniz; ese antihéroe que siempre se salía con la suya y resolvía todos los problemas que a nosotros, niños noventosos, nos aquejaban a diario. Porque el amigo Narinas es el perdedor que triunfa, ése que nos deja a todos con una sonrisita de satisfacción en la comisura de los labios, pero que nunca sabrá cómo consiguió vencer semejantes adversidades de la salvaje pubertad. Y eso, lo hace aún más querible.
Lista de personajes de la serie:
*Tito Valentino, el mejor amigo de Doug. Su frase típica es un sonido más o menos así: JANK-JANK! *Chuletas, el perro de Doug *Patti Mayonaisse, el amor eterno de Doug. *Pepe Studebaker, el chico más popular de la escuela y buen amigo de Doug. *Rufo Klotz, el chico malo del pueblo y promotor total del desorden y los problemas. *Señor y señora Gil, vecinos de Doug. *Pelambres, el gato de Rufo. *Los amigotes de Rufo. *Bee Bee Bluff, la niña rica de Cuenclintong. *Ciro y Blas Sleech, los gemelos super inteligentes. *Bemba, el chico tímido de la escuela. *La señorita Moyerin, la maestra de Doug. *El señor Moño, subdirector de la escuela. *Los Idos, la banda de rock predilecta de Doug. Este grupo es una combinación entre los Beatles y los Rolling Stones *Tolkki: El chico que hizo que Rufo se volviera malo.
Presentación del programa (También hay muchos capítulos disponibles en internet)
Hoy no les hablo sólo a los melancólicos lectores de este blog que crecieron en los noventas, hoy te hablo a vos. Sí a vos,que preferís olvidar esos términos que usabas años atrás. Esos que te hacían tan moderno, aquellas frases que repetías hasta el cansancio, esos códigos que compartías con amigos y que hoy te generan unas irremediables ganas de salir corriendo a ponerte una bolsa de papel en la cabeza por haber hablado así durante tanto tiempo. Te hablo a vos loco, que pensabas que eras copado porque tus amigos te decían: "Man, sos una masa", y te alentaban a ganarte a la minita que te partía la cabeza. "Ya te la vas a apretar", te decía tu viejo que era bastante canchero para su edad, no como los padres de tus amigos que solían ser unos tremendos giles de goma. A vos, flaquito, que decías boludo cada dos palabras pensando que era una moda, y aún hoy, sigue representando el 80 por ciento de tu vocabulario habitual. A vos que viviste en la época en que todo era súper, estaba todo joya y te creías un capo cuando le sacabas la mano a alguien al saludarlo al grito de ¡Oso! Vos, máquina, que aprendiste que lo malo era un garrón, que si estabas mal te sentías bajoneado, que cuando veías algo genial decías que era re guachi guau y lo aburrido era un plomazo. A cada Gomazo amigo, que cuando conocía una flaca llamada Marta, le cantaba con fervor que era "la número uno". A todos los que reventaron la noche en las discos buscando una diosa para conquistar al ritmo de "La Panchanga" de Vilma Palma e Vampiros, a vos te hablo. Hacete cargo, chabón, no seas careta, sacate la vergüenza y desempolvá ese vocabulario noventoso, que acá, en De Los Noventas no nos importa lo fashion y las seguimos usando. Qué copante, no?
NdeA: Si bien la serie Blanco y Negro es del año 1978, la recordada frase "De qué estás hablando Willis?" nos ha acompañado durante toda la década del 90 sin dudas.
Vinimos a rememorar lo que dejó la década del 90. Lo bueno. Lo malo. Lo fugaz. Lo eterno. Lo que los delineó. Y lo que nos delineó a nosotros, y a vos, noventoso, también.
